Cómo producir hip hop y música pop

La producción de hip-hop y música pop incorpora todos los elementos de la creación hip hop y música pop, aunque la "producción" generalmente se refiere a la música instrumental y no lírica. Básicamente, los productores de hip hop y música pop son instrumentistas que hacen este tipo de canciones.^[1] Este trabajo implica el uso de elementos como samplers, cajas de ritmos, sintetizadores, estaciones de trabajo de audio digital (DAW) e instrumentos en vivo. Equípese para producir, hacer el ritmo, agregar instrumentales, incluir voces si lo desea y terminar la canción para que su calidad sea de primera categoría.

Parte uno de seis:
Equiparse para producir

1. 1 Elija entre producción física y digital. A menos que seas miembro de una banda o tengas acceso a un estudio de grabación y puedas convencer a algunos amigos músicos de que se relajen, estarás produciendo la mayor parte de tu sonido digitalmente. También puede grabar a un amigo baterista o un riff de guitarra enfermo y usar estas muestras en vivo como parte de la producción.
   • En general, las muestras en vivo sonarán más naturales. Los oyentes humanos anhelan la imperfección en la producción de sonido, y los artistas en vivo tienen su propio estilo único e imperfecto.^[2]
   • A veces puede convencer a sus amigos músicos para que participen en el muestreo en vivo si les da crédito o los reconoce.
2. 2 Construye o compra una computadora adecuada. Si desea producir sus propias pistas de forma independiente, será necesaria una computadora que pueda ejecutar el software de producción de música. Al seleccionar una computadora adecuada, considere:
   • Invertir en una computadora portátil si planea viajar o actuar en vivo. Esto le permitirá realizar presentaciones en vivo más fácilmente, ya que toda su selección puede almacenarse y transportarse en su computadora portátil.
   • Invertir en una computadora de escritorio si planea producir música por su cuenta en casa. Estas máquinas ejecutarán fielmente la mayoría del software de producción de audio.
   • Usar una Mac si planea usar las estaciones de trabajo de audio digital (DAW) Pro Tools, Garageband o Logic. Estos programas son versiones solo para Mac o están diseñados para funcionar mejor con las especificaciones de Mac.
   • Priorizando la velocidad del procesador. Un procesador 3.0 de doble núcleo o superior ayudará a que su computadora funcione con fluidez con poco o ningún retraso.
   • Utiliza 8 GB de RAM y 500 GB de espacio en el disco duro (como mínimo) para admitir una extensa biblioteca de sonidos y el funcionamiento sin problemas de tu computadora.
   • Ahorro de dinero en su tarjeta de video. A menos que también realice la edición de video, una tarjeta de video de alta calidad no agregará mucho a su producción musical.^[3]
3. 3 Invierta en equipos de grabación. El equipo de grabación puede agregar un gasto significativo a los costos de su equipo. La mayoría de las estaciones de trabajo de audio digital (DAW) pueden producir sonidos digitalmente para que se puedan realizar pistas completas en la computadora. El equipo de grabación incluye elementos como micrófonos, plumas, filtros, cabinas de sonido, etc.
   • Las grabaciones de jugadores en vivo generalmente son más cálidas y requieren menos acabado. Las mezclas de sonido aisladas pueden sonar frías, lo que puede corregirse en la etapa final del proceso de producción.
4. 4 Seleccione un DAW adecuado. Una estación de trabajo de audio digital (DAW) le dará la mayor libertad con la producción. Muchos DAW vienen con cajas de ritmos digitales, sintetizadores, bibliotecas de sonido y más. Algunos DAW populares que podrías considerar incluyen:
   • Image-Line FL Studio es el favorito entre la plataforma Fruity Loops. Este poderoso DAW incluye una política de actualización gratuita de por vida Image-Line.
   • Ableton Live es poderoso como programa de grabación para compositores y también funciona bien como instrumento de interpretación. Este programa es compatible con hardware de interfaz como el controlador Push 2, que permite un tipo de producción de música físicamente reactiva (producción de sonido de tecla).
   • Steinberg Cubase Pro ofrece opciones de interfaz únicas, como el muestreo cromático y la ventana del proyecto de la zona inferior para mejorar la mezcla y otros paneles / pestañas de herramientas de ajuste fino.^[4]
5. 5 Adquiera los accesorios de producción y grabación adecuados. Puede ser difícil capturar la naturaleza explosiva de un instante musical cuando solo se trata de información de sonido abstracta en archivos de computadora. La producción física y el equipo de grabación, como cajas de ritmos, micrófonos, sintetizadores, teclados, guitarras eléctricas y controladores pueden hacer que la producción y la grabación sean más intuitivas e interactivas.^[5]
   • Identifique los equipos que probablemente usaría con frecuencia en su producción. Por ejemplo, si tuvieras entrenamiento musical en piano, un teclado de calidad probablemente sería una inversión útil.
   • Este tipo de equipo puede ser muy costoso. La creación de la producción y el registro de accesorios generalmente lleva tiempo y una inversión continua.
   • Aunque este equipo puede ser útil, la producción de música enlatada, como las cajas de ritmos, a menudo requiere un acabado extenso antes de sonar natural.^[6]

Parte dos de seis:
Hacer un beat

1. 1 Crea la línea de bajo Esta es la base de tu seguimiento. La línea de bajo será el tono más bajo en la pista, generalmente un tono de batería o teclado. A menudo es repetitivo y estable, aunque algunas líneas de bajo se caracterizan por una estructura más compleja, como el tambor y el bajo, que utiliza un ritmo sincopado.^[7]
   • Use el ritmo constante de un bombo para crear una línea de bajo básica.
   • Contar los ritmos y agregar ritmos extraños, como una semicorchea en el segundo y cuarto compases de su línea de bajo.
   • Nunca se sabe lo que se te ocurrirá al hacer tu línea de bajo. Deja que tus instintos te guíen. No intentes por la perfección; crear un punto de partida es el objetivo de este paso.^[8]
2. 2 Incorpora percusión suplementaria para la variedad. Los tambores y platillos dan mucho golpe a las pistas que produces. Un bombo continuo (o un bombo) podría funcionar para la línea de bajo principal, pero un redoble de tambor o el sonido de un alto sombrero agregará más profundidad a su línea de bajo.
   • Estos riffs de percusión generalmente ocurren a intervalos regulares o como parte de bucles a lo largo de una pista.La frecuencia de estos dependerá de su estilo y preferencia.
3. 3 Haz un bucle a través de la línea del bajo y planifica digresiones, si lo deseas. La línea directa de tu bajo será el tema constante y constante de la parte de bajo. Sin embargo, esto cambiará a veces para mostrar solos, resaltar partes, resaltar dúos o voces instrumentales, etc. Estas digresiones evitan que la línea de bajo se vuelva demasiado repetitiva y aburrida.
   • Un puente es un interludio musical de conexión con la línea principal de una canción, que generalmente ocurre en el medio de la canción. Experimenta con los cambios de ritmo, melodía y más al incluir puentes en tus pistas.^[9]
   • Tenga cuidado de no agregar demasiadas partes a su línea de bajo. Demasiada variedad instrumental puede resultar en un sonido fangoso. Dos o tres instrumentos aquí serían los más adecuados para empezar. Use patrones simples y repetibles.^[10]

Parte tres de seis:
Agregar partes instrumentales

1. 1 Construye la melodía. La melodía de tu canción es la parte principal de una canción que sube y baja, creando el patrón alrededor del cual está estructurado el resto de la canción.^[11] Piensa en la melodía como la parte principal de una canción con la que tararearías.
   • Elige un instrumento principal para tu melodía. Las opciones populares incluyen la guitarra, el teclado, los cuernos (como trompetas o trombones), órganos, tonos de sintetizador, instrumentos de viento (flautas, clarinetes) y más.
   • Haga que su melodía viaje una gama de tonos para darle contorno. Romper tonos para saltar arriba y abajo a tonos más altos y más bajos. Haga acordes tocando tonos juntos.
   • No tengas miedo de usar el silencio. Agregar una pausa leve (a menudo referida en la música como "descanso") a su melodía puede generar tensión.
   • Tu melodía debe consistir en un solo instrumento. En algunos casos, también se puede usar un par de instrumentos. Al comenzar, usar más de un instrumento puede causar turbiedad o sobresaturación en el resultado final de su pista.^[12]
2. 2 Acentúa la melodía con otros instrumentos. Dos instrumentos aquí son un buen lugar para comenzar. Demasiados instrumentos en su pista pueden reducir su sonido, haciéndolo pesado e indistinto.^[13] Toque estos instrumentos de acento en armonía con la melodía. Agréguelos a lo largo de la melodía para acentuar el contorno general de la línea directa.^[14]
   • Los instrumentos populares utilizados como complemento de la melodía incluyen: teclado (notas dispersas), trompetas, trombones, flautas, clarinetes, marimbas, acordeones, gaitas y otros.
3. 3 Haga hincapié en partes importantes de su pista. En un momento culminante, como cuando has acumulado algo de tensión en tu canción y te estás preparando para dejar de latir, puedes añadir énfasis con riffs instrumentales. Estos son especialmente populares en la guitarra y el piano, y a menudo se pueden utilizar con eficacia en los acordes de potencia.
   • Algunas notas de acento en los lugares bajos y bajos de la canción pueden agregar profundidad y un sentido vanguardista a su tono general.
   • Los sonidos inusuales, como el icónico uso de pájaros por parte de DJ Premier para resaltar la potente línea de percusión, pueden tener un efecto profundo en su pista.
   • Recuerde mantener las cosas simples cuando agrega instrumentos a su melodía y línea de bajo. Es fácil dejarse llevar, pero esto puede afectar negativamente el equilibrio instrumental en su canción.^[15]

Parte cuatro de seis:
Incluyendo Vocals

1. 1 Producir las voces principales. Tus voces principales generalmente son cantadas por una sola persona. Las voces principales en la mayoría de los casos siguen junto con la melodía al ritmo de la línea de bajo, aunque puede haber ocasiones en que un vocalista armonice con la melodía instrumental o viceversa.^[16] Dependiendo de la canción que esté produciendo, puede que quiera dejar de lado la voz.
   • Escriba letras para su canción que signifiquen algo para usted o que estén en consonancia con la sensación que desea transmitir con su canción.
   • Al comenzar, un conjunto de voces principales podría ser el mejor. Las voces secundarias, como la de un vocalista invitado o un dúo, pueden ser efectivas en tu canción, pero pueden ser difíciles de equilibrar mientras aprendes los principios básicos de la producción.
2. 2 Integra voces de fondo para la armonía. Hay momentos, como al final de un verso o del estribillo, donde las voces principales a menudo pueden acentuarse naturalmente con armonía. Experimenta añadiendo voces armónicas a momentos de alta tensión, los extremos de frases musicales y partes de la canción que quieras enfatizar.
   • Agregar demasiadas voces armónicas, al igual que agregar demasiados instrumentos, puede atascar su sonido y ensuciarlo. Utilice las voces armónicas de soporte con moderación.^[17]
   • La colocación de estas voces es, en última instancia, una cuestión de preferencia y gusto. Experimenta armonizando en varios puntos de la canción y viendo lo que te gusta.^[18]
3. 3 Sobregrabar las voces principales para enfatizar. Esta es una buena manera de evitar que las voces suplementarias enturbien su sonido. En los momentos que desee enfatizar, como al final de una frase o en algunas letras asesinas, duplique o triplique la voz principal para crear un sonido más completo.
   • Puede modificar los tonos de los overdubs para crear armonía con una sola voz. El acorde creado por estos tonos será naturalmente agradable ya que son producidos por la misma voz.^[19]

Parte cinco de seis:
Terminando tu pista

1. 1 Obtener una segunda opinión Haz que otros escuchen tu canción. Prepárate para la crítica. Escucha los comentarios de los demás con cuidado. Suaviza los sonidos que son penetrantes y pequeños, añaden sustancia a las partes que tus oyentes encuentran deficientes. Esto podría implicar agregar más instrumentales o simplemente equilibrar el volumen.
   • Comience por hacer que sus amigos y familiares escuchen su canción. Sin embargo, estas personas a menudo se preocupan por sus sentimientos y es posible que no le den la evaluación más honesta.
   • Después de aumentar un poco su confianza, haga que alguien que no sea tan cercano a usted, como un conocido o colega con gustos musicales similares, escuche su pista.^[20]
2. 2 Mezcla tu pista. Mantenga el volumen moderadamente bajo cuando haga esto. Durante largas sesiones de mezcla, el volumen tiende a deslizarse hacia arriba, lo que puede ser perjudicial para la audición. Código de color para mejorar la eficiencia durante la mezcla. Equilibre los volúmenes de las partes de su pista y acentúe las partes prominentes.^[21]
   • Las herramientas de compresión pueden ayudarlo a mantener un volumen uniforme en toda su pista. Las versiones digitales de estos están disponibles como parte de DAW o paquetes de software complementarios.
   • Un esquema de color común para mejorar la eficiencia de la mezcla usa púrpura para bajo, azul para batería, rojo para voz y naranja para instrumentos. ^[22]
3. 3 Domina la pista. Eche un vistazo al rango de audio de la pista como un todo en un programa de masterización. Este puede ser un programa separado o parte de tu DAW. Mire los desvanecimientos, los parámetros del sonido (qué tan grande / pequeña es su frecuencia). Suaviza y redondea las partes extremas para que el sonido sea fluido e impecable.^[23]

Parte seis de seis:
Convertirse en un productor exitoso

1. 1 Publica tus canciones. Las canciones que produces no ganarán popularidad a menos que las pongas a disposición del público. Publica tus canciones en plataformas como YouTube, SoundCloud, Bandcamp, Spotify y más.^[24] Incluye etiquetas relevantes para tus canciones para que los oyentes puedan buscar y encontrar tu música más fácilmente.^[25]
   • Incluye etiquetas específicas de género, como una para hip hop o pop, y subgéneros cuando corresponda, como Electro Pop.
   • Esté atento a las pistas que publica. Las pistas con muchos "me gusta", pulgares hacia arriba o respuestas positivas pueden guiar su producción de pistas futuras.
2. 2 Cultive un seguimiento a través de las redes sociales. A muchos fanáticos les gusta saber qué dicen sus artistas favoritos sobre los eventos diarios. Interactúa con tus seguidores en Twitter, Facebook, YouTube y sitios de redes sociales similares. Use las redes sociales para comunicarse con DJ locales y productores en su ciudad o región. Publicar información sobre próximos temas.^[26]
   • Desarrollar un seguimiento en las redes sociales puede ser mucho trabajo. En muchos casos, los productores utilizan un publicista o agente para administrar sus cuentas de redes sociales.
   • Patrocine concursos de medios sociales, como sesiones individuales de preguntas y respuestas o regalos de mercadería.^[27]
3. 3 Network con profesionales de la música. Haga una tarjeta de visita y tráigala a clubes y eventos de música en vivo. Entregue su tarjeta a DJs, coordinadores de eventos, gerentes de clubes y otras personas. Asista a after parties para eventos y espectáculos para solidificar sus relaciones con conocidos involucrados en la producción de música.^[28]
   • Si recibe la información de contacto de alguien involucrado en la escena musical, envíeles un mensaje amigable o una invitación para colaborar.^[29]
4. 4 Realice sus pistas o haga que los DJ locales las realicen. Ve al escenario como DJ y muestra tus canciones. Si eres un productor detrás de escena, contacta DJ locales o planificadores de música de club a través de redes sociales o conexiones personales. Preséntelos a su mejor trabajo, luego vea si tocarán una de sus canciones.^[30]